Recomendación de Pequeño R'n'R: Singles Collection 7" del sello Jabalina

Aplaudimos desde Pequeño Rock 'n Roll la iniciativa del sello Jabalina de publicar singles de diferentes artistas en ediciones limitadas. Se trata de varios 7" de diferentes colores (y de momento, con bonitas portadas) que se irán publicando de dos en dos cada mes. Han empezado este mes de octubre y los grupos que han abierto fuego son Apenino y Wild Honey.

APENINO - TOCA EL PITO

Pop preciosista el de Apenino que nos regala tres canciones, donde destacan más "Otra Dimensión" y "Toca El Pito" que el segundo corte, "Entre Pekín Y Perú". "Otra dimensión" casa a la perfección con el 7" de Wild Honey, en especial por el uso del ukelele.

WILD HONEY - DIAMOND MOUNTAIN

La canción que le da título es muy del estilo de su álbum de debut, "Epic Handshakes And A Bear Hug", pop muy influenciado por los Beach Boys. El segundo corte, "Field Of Little Heads", cuenta con unos ritmos electrónicos que le dan otro aire, pero que en el fondo siguen con la esencia de Wild Honey. "Ginger" termina de demostrar el buen gusto que tiene Guille para los arreglos, tanto en Wild Honey como en Mittens. Y hablando de Mittens, Anita, la cantante del combo madrileño, vuelve a colaborar en los coros.

Recomendación de Pequeño R'n'R: Maximum Balloon

Hasta ahora habíamos tratado la música electrónica de manera bastante sesgada (algo que se colaba en Broken Bells, en Eels o en Deerhunter), pero, con Maximum Balloon y su disco de debut homónimo, la electrónica manda de principio a fin. Hay que decir antes de nada que este grupo es el proyecto en solitario de David Sitek, componente de TV on the Radio y productor de gente como Yeah Yeah Yeahs, Holly Miranda o del debut de Foals. Casi nada. Desde los primeros momentos del álbum vemos que la aportación de Sitek en TV On The Radio era importante, porque las canciones de "Maximum Balloon" suenan mucho al grupo base.

El álbum lo ha hecho todo a base de colaboraciones, entre ellas las de Tunde Adebimpe ("Absence of Light") y Kyp Malone ("Shakedown"), dos compañeros suyos en TV On The Radio. También ha participado Karen O en el tema "Communion", en mi opinión uno de los más destacados. Aku canta en "Tiger", que fue el single de adelanto, y Holly Miranda en "The Lesson". Además, en este álbum, aparece ni más ni menos que David Byrne, el que fuera líder de los míticos Talking Heads allá por finales de los 70, con la canción "Apartment Wrestling". Pero tampoco nos podemos olvidar de "Groove Me" (Theophilus London a la voz), ni de "If You Return" (Little Dragon), por ejemplo.

En definitiva, un disco muy interesante y que habrá que tener en cuenta a finales de año, porque puede que se meta entre lo más destacado del año.

Discos de cabecera: "Pearl" (Janis Joplin, 1971)

El 4 de octubre de 1970 Janis Lyn Joplin moría de sobredosis de heroína. Fue una noche en que decidió salir a celebrar el buen día que había tenido en el estudio durante las sesiones de grabación de "Pearl". De este modo se iba una de las voces más características del rock y uno de los iconos hippies. La voz de desgarrada de Joplin, de amplio registro y con muchas texturas, estaba empezando a despuntar y, según dice la gente que la conoció, se encontraba en su mejor momento.

El disco quedó sin acabar, pero aún así se decidió que se publicaría según estaba grabado. Así, "Mercedes Benz" se dejó como estaba, solo con la voz de Janis, como respeto a la artista y, también, porque justo había sido esa la última canción que había grabado antes de morir. "Mercedes Benz" es una demostración vocal de porque Janis Joplin era una de las artistas más importantes de la época. Otra de las canciones que habría tenido otra forma de haber seguido viva Janis es "Buried Alive In The Blues". Ha quedado como instrumental ante la falta de la grabación de la voz. Es un tema que demuestra que se había juntado con una buena banda, The Full Tilt Boogie.

"Pearl" es bajo mi punto de vista uno de esos discos a los que no les sobra ninguna canción. Tras un comienzo brillante con "Move Over" y la excepcional "Cry Baby", se pasa a "A Woman Left Lonely", un tema más calmado. Pero inmediatamente vuelve la intensidad con "Half Moon", un tema con unas guitarras muy funk. En la segunda parte del álbum "My Baby" es el preámbulo perfecto para la genial "Me And Bobby McGee", una canción que se acerca más al country-folk. Tras esta vienen, la antes mencionada, "Mercedes Benz", "Trust Me" y el broche perfecto, "Get It While You Can".

En la reedición de 1999 se incluyeron cuatro temas más en directo, entre los que se incluye "Try (Just A Little Bit Harder) - Live", que ya había interpretado en Woodstock en el 69.

Recomendación de Pequeño R'n'R: Caitlin Rose

Creo que a día de hoy escuchar una instrumentación country no es extraño. Casi todos estamos acostumbrados a escuchar un pedal-steel guitar, un banjo o una armónica. Los expertos ya no quieren llamar country a este estilo, prefieren llamarlo americana o alt. country. Sea como sea, Caitlin Rose está incluído en ese mismo saco. "Dead Flowers" (2008) fue su EP de debut y ahora ha sacado su primer larga duración, "Own Side Now" (2010).

Lo que más destaca en Caitlin Rose es la voz de la propia Caitlin. A medio camino entre lo dulce y lo desgarrado y con una calidez increíble, te arropa y te permite evadirte de todo lo demás. A mayores hay que decir que, bajo mi punto de vista, el disco está muy bien arreglado, y la instrumentación es impecable en casi todos los temas. "Own Side Now" es un disco de esos que no tiene hits claros, sino que es más para escuchar entero sin parar, pero si hubiese que elegir algunas canciones yo me quedaría con "For The Rabbits", "Learnin' to Ride", "That's Alright" o "New York City".

Hoy es festivo, un buen día para disfrutar de Caitlin Rose y su "Own Side Now". Os dejo de paso el videoclip de "Shanghai Cigarettes", el primer single del álbum.

Discos de cabecera: "The Doors" (The Doors, 1967)

Hablar de The Doors es hablar de uno de los grupos más grandes de la historia de la música. Hablar de "The Doors" (el álbum), es hablar de uno de los mejores debuts de la historia de la música. Jim Morrison y compañía llegaron a la música con su blues-rock bajo el brazo y alcanzaron la fama pronto. Sin duda tenían un líder muy carismático y que además se sacaba de la manga buenas letras. Pero es que además Morrison estaba acompañado de músicos bastante buenos y muy creativos, en especial Ray Manzareck, el organista. Sin duda el sonido del órgano de Manzareck es uno de los distintivos más claros del sonidos Doors.

El single con el que se dieron a conocer fue "Break On Through", donde se aprecian bien las claves que hemos comentado de The Doors: el blues-rock, el órgano y la letra de Morrison. Además, la canción se inicia con el archiconocido riff de guitarra y órgano. En el álbum, el nivel no decae tras "Break On Trough", con la blusera "Soul Kitchen", la más pausada "The Crystal Ship" o "Twentieth Century Fox". Y en menos de 15 minutos de álbum nos plantamos en otro de los momentos álgidos de "The Doors", "Light My Fire". De nuevo Manzareck se saca de la manga un riff genial para su órgano que abre paso a la voz de Morrison. Es una canción larga (7:10) debido principalmente a los solos de Robert Krieger a la guitarra y Manzareck a las teclas. Sin duda esta fue la canción que les terminó de aupar a la cima del rock.

La segunda parte del disco puede que sea algo más floja, pero aún así nos deja buenos momentos, como el "I Looked At You" o "Take It As It Comes". Pero sin duda la canción que cierra el disco es otro momento álgido ya no sólo en el disco, sino en la carrera de The Doors. "The End" es el cierre perfecto. Aumenta en intesidad y vuelve a decaer, y en los 11 minutos que dura hay tiempo para solos de guitarra, solos de órgano y frases antológicas de Jim Morrison, como por ejemplo, los controvertidos versos que dicen: "Father. / Yes son? / I want to kill you. / Mother, I want to..." En esta frase habla de querer matar a su padre y deja entrever que quiere acostarse con su madre. Jim, sin duda, genio y figura.

No os entretengo más, "The Doors" os espera.

Recomendación de Pequeño R'n'R: Eli "Paperboy" Reed

Aprovechamos que en un mes y algo nos visita Eli "Paperboy" Reed & The True Loves (17 de noviembre, Sala Capitol de Santiago de Compostela) para recomendar su último disco. No llega al nivel de su debut, "Roll With You", pero es que el listón estaba alto, con canciones como "The Satisfaier", "Take My Love With You" o "(Doin' The) Boom Boom".

De todos modos cuando se nos presentó este nuevo álbum la cosa pintaba muy bien: más soul del bueno. "Come And Get It" era la canción encargada de ejercer como single de presentación y, a los pocos segundos, ya teníamos una demostración de porque Eli "Paperboy" Reed está considerado una de las mejores voces del panorama soul. Sección de vientos impecable y unos buenos coros para ponerle la guinda al que es quizás el mejor tema del álbum. Aunque, porque no decirlo, "Come And Get It" marca ese toque más comercial que hay a lo largo del álbum. Pero ojo, eso no tiene porque ser malo. "Just Like Me", tiene unos arreglos orquestales que le quitan ese toque más clásico del álbum de debut, pero no por ello es peor canción. "Young Girl", "Name Calling", "Tell Me What I Wanna Hear" o "You Can Run On" siguen esa estela de buenas canciones, pero que quizás perdieron ese toque de mayor viveza que tenían los temas de "Roll With You". Eli "Paperboy" Reed y su banda también nos dejan un par de baladas soul muy buenas ("Pick A Number" y "Time Will Tell"). Finalmente, y quizás porque son conscientes de ese pequeño fallo que apreciamos frente a su debut, el álbum se cierra con la excepcional "Explosion", un tema que recuerda mucho a "(Doin' The) Boom Boom", y que, como su propio nombre indica, es una explosión a mitad de camino entre el funk y el soul más acelerado.

Os dejamos "Explosion" en directo, una canción que no te mantendrá impasible ante la pantalla del ordenador.

Discos de cabecera: "John Lennon/Plastic Ono Band" (John Lennon, 1970)

Hoy, 9 de octubre de 2010, John Lennon cumpliría 70 años. Y también tal día como hoy, hace 40 años, se acabó de grabar "John Lennon/Plastic Ono Band". En abril de 1970 The Beatles anunciaban su separación definitiva y, como no podía ser de otro modo, las maquinarias creativas que formaban la banda de Liverpool comenzaron a funcionar por separado. Paul McCartney publicó ese mismo año "McCartney" y Harrison "All Things Must Pass" (de los que es muy posible que hablemos en un futuro en esta sección). Incluso Ringo Starr se atrevió con un álbum, "Beaucoups of Blues". John hizo lo propio y publicó "John Lennon/Plastic Ono Band", producido por Phil Spector (al igual que el álbum de Harrison).

John es un músico de los pies a la cabeza y en este disco lo demuestra. A parte de buen cantante es un buen compositor y en este disco hay tres temas que se aprecian claramente. Por un lado está su lado pacifista y solidario con canciones como "Working Class Hero"; por el otro su amor hacia Yoko Ono ("Hold On"); y por último ese trauma de su adolescencia que fue la muerte de su madre cuando tenía él 17 años y después de haber estado desde los 5 viviendo con su tía ("My Mummy's Dead").

El disco se abre con una interpretación magnífica de "Mother" por parte de Lennon, un canto desgarrado a la memoria de su madre Julia (y alguna referencia a su padre, que lo abandonó cuando tenía 5 años). Es difícil encontrar una grabación de un artista que le ponga tanto sentimiento a un tema.

John explota su vena rockera en "I Found Out", "Well, Well, Well", "Remember" o el bonus track "Power To The People" (donde le acompaña un coro de gospel). "Love", como su propio nombre indica, es un canto al amor y, junto a "Isolation" y "Look At Me", son las baladas que redondean el LP.

Sin duda, un buen día para recordar este gran disco.

Recomendación de Pequeño R'n'R: Broken Bells

Fruto de la colaboración entre James Mercer (The Shins) y Danger Mouse (Gnarls Barkley) se formó Broken Bells, y en marzo de este año salió a la venta su álbum de debut homónimo. Broken Bells es una mezcla entre vanguardia y clasicismo, entre las baterías electrónicas y las guitarras acústicas, los sintetizadores y las harmonías vocales. En algunas canciones te incitan a salir a bailar y en otras prefieres quedarte sentado y dejarte atrapar por las atmósferas creadas.

Los tres singles que han salido hasta el momento son, en mi opinión, los mejores cortes del disco. El que presentó a la banda fue "The High Road", donde dominan los sintetizadores y los ritmos programados, al revés que en "Vaporize", donde es la acústica y el teclado lo que marca el ritmo de la canción. El siguiente single fue la pegadiza "The Ghost Inside", acompañada en la cara B por una canción más electrónica, "Meyrin Fields". En el resto del disco nos encontramos otros momentos brillantes, como son "Sailing To Nowhere", "Trap Doors" o la canción que cierra el disco, "The Mall & Misery".

Sólo me queda decirles que esta tarde lluviosa de otoño es una buena oportunidad para disfrutar de Broken Bells.

Recomendación de Pequeño R'n'R: Broken Social Scene

Aún no ha llegado el frío del todo, pero ya empieza a refrescar, y "Forgiveness Rock Record" (2010) puede ser un álbum para esas tardes de sábado o domingo en que no te apetece salir de casa. Ha sido el último trabajo de(l colectivo) Broken Social Scene, muy recomendable para los que busquen música buena pero poco convencional.

El disco se abre con la genial "World Sick" (primer single del álbum), seguida de cuatro grandes canciones, como son "Chase Scene", "Texico Bitches", "Forced To Love" (segundo single) y "All To All", donde la voz principal corre a cargo de Lisa Lobsinger (esta vez Feist se limita a hacer coros). Posiblemente a partir de este corte baje la intensidad, pero eso no impide que haya un puñado de buenos temas ("Art House Director", la instrumental "Meet Me In The Basement", "Sweetest Kill" o "Romance To The Grave").

Capas y capas de emoción mezcladas con un poco de épica, eso es lo que son Broken Social Scene.

Discos de cabecera: "(What's The Story) Morning Glory" (Oasis, 1995)

Hoy (2 de octubre de 2010) se cumplen 15 años de la publicación del segundo álbum de Oasis, "(What's The Story) Morning Glory", que les terminó de aupar a la cima del rock a mediados de los 90. Los hermanos Gallagher habían debutado un año antes con "Definitely Maybe" y los ingleses se había vuelto a sentir el centro de mundo musical gracias a estos chicos de clase obrera provenientes de Manchester. Y lo cierto es que durante 4 o 5 años fueron el grupo por excelencia, pero luego no supieron mantener el nivel y terminaron ahogados en peleas de hermanos y en su propia leyenda. Herederos de los Beatles de su admirado Lennon, los grupos mods de los 60, The Stone Roses, The Jam y Paul Weller, reunían todas las características del rock y el pop británico de los anteriores 30-35 años, convirtiéndose junto a Blur y Pulp en los estandartes del britpop de los 90.

Precisamente fue con Blur con el grupo con el que mantuvieron la llamada "

Batalla del Britpop". Y fue en el 95 cuando se volvió más 'encarnizada', sobre todo cuando Blur decidió adelantar la publicación de su single, "Country House", para que coincidiera con el de Oasis, "Roll With It". Finalmente, por los motivos que fueran, ganó Blur, pero Oasis se pudieron resarcir cuando "(What's The Story) Morning Glory" vendió más que "The Great Escape".

Puede que la mayoría de la gente se quede con que en "(What's The Story)..." están "Wonderwall" y "Don't Look Back in Anger", pero eso es porque no se ha parado a escuchar el resto del disco. No se han parado a escuchar la más rockanrollera "Some Might Say", la balada acústica "Cast No Shadow" o la genial "Champagne Supernova", con la colaboración a la guitarra de Paul Weller. Tampoco han escuchado la canción que abre el álbum,"Hello", ni la que le da título, "Morning Glory".

En definitva, un disco muy completo y muy recomendable. Fue el punto álgido del britpop y, en mi opinión, de los propios Oasis.