Recomendación de Pequeño R'n'R: Singles Collection 7" del sello Jabalina

Aplaudimos desde Pequeño Rock 'n Roll la iniciativa del sello Jabalina de publicar singles de diferentes artistas en ediciones limitadas. Se trata de varios 7" de diferentes colores (y de momento, con bonitas portadas) que se irán publicando de dos en dos cada mes. Han empezado este mes de octubre y los grupos que han abierto fuego son Apenino y Wild Honey.

APENINO - TOCA EL PITO

Pop preciosista el de Apenino que nos regala tres canciones, donde destacan más "Otra Dimensión" y "Toca El Pito" que el segundo corte, "Entre Pekín Y Perú". "Otra dimensión" casa a la perfección con el 7" de Wild Honey, en especial por el uso del ukelele.

WILD HONEY - DIAMOND MOUNTAIN

La canción que le da título es muy del estilo de su álbum de debut, "Epic Handshakes And A Bear Hug", pop muy influenciado por los Beach Boys. El segundo corte, "Field Of Little Heads", cuenta con unos ritmos electrónicos que le dan otro aire, pero que en el fondo siguen con la esencia de Wild Honey. "Ginger" termina de demostrar el buen gusto que tiene Guille para los arreglos, tanto en Wild Honey como en Mittens. Y hablando de Mittens, Anita, la cantante del combo madrileño, vuelve a colaborar en los coros.

Recomendación de Pequeño R'n'R: Maximum Balloon

Hasta ahora habíamos tratado la música electrónica de manera bastante sesgada (algo que se colaba en Broken Bells, en Eels o en Deerhunter), pero, con Maximum Balloon y su disco de debut homónimo, la electrónica manda de principio a fin. Hay que decir antes de nada que este grupo es el proyecto en solitario de David Sitek, componente de TV on the Radio y productor de gente como Yeah Yeah Yeahs, Holly Miranda o del debut de Foals. Casi nada. Desde los primeros momentos del álbum vemos que la aportación de Sitek en TV On The Radio era importante, porque las canciones de "Maximum Balloon" suenan mucho al grupo base.

El álbum lo ha hecho todo a base de colaboraciones, entre ellas las de Tunde Adebimpe ("Absence of Light") y Kyp Malone ("Shakedown"), dos compañeros suyos en TV On The Radio. También ha participado Karen O en el tema "Communion", en mi opinión uno de los más destacados. Aku canta en "Tiger", que fue el single de adelanto, y Holly Miranda en "The Lesson". Además, en este álbum, aparece ni más ni menos que David Byrne, el que fuera líder de los míticos Talking Heads allá por finales de los 70, con la canción "Apartment Wrestling". Pero tampoco nos podemos olvidar de "Groove Me" (Theophilus London a la voz), ni de "If You Return" (Little Dragon), por ejemplo.

En definitiva, un disco muy interesante y que habrá que tener en cuenta a finales de año, porque puede que se meta entre lo más destacado del año.

Discos de cabecera: "Pearl" (Janis Joplin, 1971)

El 4 de octubre de 1970 Janis Lyn Joplin moría de sobredosis de heroína. Fue una noche en que decidió salir a celebrar el buen día que había tenido en el estudio durante las sesiones de grabación de "Pearl". De este modo se iba una de las voces más características del rock y uno de los iconos hippies. La voz de desgarrada de Joplin, de amplio registro y con muchas texturas, estaba empezando a despuntar y, según dice la gente que la conoció, se encontraba en su mejor momento.

El disco quedó sin acabar, pero aún así se decidió que se publicaría según estaba grabado. Así, "Mercedes Benz" se dejó como estaba, solo con la voz de Janis, como respeto a la artista y, también, porque justo había sido esa la última canción que había grabado antes de morir. "Mercedes Benz" es una demostración vocal de porque Janis Joplin era una de las artistas más importantes de la época. Otra de las canciones que habría tenido otra forma de haber seguido viva Janis es "Buried Alive In The Blues". Ha quedado como instrumental ante la falta de la grabación de la voz. Es un tema que demuestra que se había juntado con una buena banda, The Full Tilt Boogie.

"Pearl" es bajo mi punto de vista uno de esos discos a los que no les sobra ninguna canción. Tras un comienzo brillante con "Move Over" y la excepcional "Cry Baby", se pasa a "A Woman Left Lonely", un tema más calmado. Pero inmediatamente vuelve la intensidad con "Half Moon", un tema con unas guitarras muy funk. En la segunda parte del álbum "My Baby" es el preámbulo perfecto para la genial "Me And Bobby McGee", una canción que se acerca más al country-folk. Tras esta vienen, la antes mencionada, "Mercedes Benz", "Trust Me" y el broche perfecto, "Get It While You Can".

En la reedición de 1999 se incluyeron cuatro temas más en directo, entre los que se incluye "Try (Just A Little Bit Harder) - Live", que ya había interpretado en Woodstock en el 69.

Recomendación de Pequeño R'n'R: Caitlin Rose

Creo que a día de hoy escuchar una instrumentación country no es extraño. Casi todos estamos acostumbrados a escuchar un pedal-steel guitar, un banjo o una armónica. Los expertos ya no quieren llamar country a este estilo, prefieren llamarlo americana o alt. country. Sea como sea, Caitlin Rose está incluído en ese mismo saco. "Dead Flowers" (2008) fue su EP de debut y ahora ha sacado su primer larga duración, "Own Side Now" (2010).

Lo que más destaca en Caitlin Rose es la voz de la propia Caitlin. A medio camino entre lo dulce y lo desgarrado y con una calidez increíble, te arropa y te permite evadirte de todo lo demás. A mayores hay que decir que, bajo mi punto de vista, el disco está muy bien arreglado, y la instrumentación es impecable en casi todos los temas. "Own Side Now" es un disco de esos que no tiene hits claros, sino que es más para escuchar entero sin parar, pero si hubiese que elegir algunas canciones yo me quedaría con "For The Rabbits", "Learnin' to Ride", "That's Alright" o "New York City".

Hoy es festivo, un buen día para disfrutar de Caitlin Rose y su "Own Side Now". Os dejo de paso el videoclip de "Shanghai Cigarettes", el primer single del álbum.

Discos de cabecera: "The Doors" (The Doors, 1967)

Hablar de The Doors es hablar de uno de los grupos más grandes de la historia de la música. Hablar de "The Doors" (el álbum), es hablar de uno de los mejores debuts de la historia de la música. Jim Morrison y compañía llegaron a la música con su blues-rock bajo el brazo y alcanzaron la fama pronto. Sin duda tenían un líder muy carismático y que además se sacaba de la manga buenas letras. Pero es que además Morrison estaba acompañado de músicos bastante buenos y muy creativos, en especial Ray Manzareck, el organista. Sin duda el sonido del órgano de Manzareck es uno de los distintivos más claros del sonidos Doors.

El single con el que se dieron a conocer fue "Break On Through", donde se aprecian bien las claves que hemos comentado de The Doors: el blues-rock, el órgano y la letra de Morrison. Además, la canción se inicia con el archiconocido riff de guitarra y órgano. En el álbum, el nivel no decae tras "Break On Trough", con la blusera "Soul Kitchen", la más pausada "The Crystal Ship" o "Twentieth Century Fox". Y en menos de 15 minutos de álbum nos plantamos en otro de los momentos álgidos de "The Doors", "Light My Fire". De nuevo Manzareck se saca de la manga un riff genial para su órgano que abre paso a la voz de Morrison. Es una canción larga (7:10) debido principalmente a los solos de Robert Krieger a la guitarra y Manzareck a las teclas. Sin duda esta fue la canción que les terminó de aupar a la cima del rock.

La segunda parte del disco puede que sea algo más floja, pero aún así nos deja buenos momentos, como el "I Looked At You" o "Take It As It Comes". Pero sin duda la canción que cierra el disco es otro momento álgido ya no sólo en el disco, sino en la carrera de The Doors. "The End" es el cierre perfecto. Aumenta en intesidad y vuelve a decaer, y en los 11 minutos que dura hay tiempo para solos de guitarra, solos de órgano y frases antológicas de Jim Morrison, como por ejemplo, los controvertidos versos que dicen: "Father. / Yes son? / I want to kill you. / Mother, I want to..." En esta frase habla de querer matar a su padre y deja entrever que quiere acostarse con su madre. Jim, sin duda, genio y figura.

No os entretengo más, "The Doors" os espera.

Recomendación de Pequeño R'n'R: Eli "Paperboy" Reed

Aprovechamos que en un mes y algo nos visita Eli "Paperboy" Reed & The True Loves (17 de noviembre, Sala Capitol de Santiago de Compostela) para recomendar su último disco. No llega al nivel de su debut, "Roll With You", pero es que el listón estaba alto, con canciones como "The Satisfaier", "Take My Love With You" o "(Doin' The) Boom Boom".

De todos modos cuando se nos presentó este nuevo álbum la cosa pintaba muy bien: más soul del bueno. "Come And Get It" era la canción encargada de ejercer como single de presentación y, a los pocos segundos, ya teníamos una demostración de porque Eli "Paperboy" Reed está considerado una de las mejores voces del panorama soul. Sección de vientos impecable y unos buenos coros para ponerle la guinda al que es quizás el mejor tema del álbum. Aunque, porque no decirlo, "Come And Get It" marca ese toque más comercial que hay a lo largo del álbum. Pero ojo, eso no tiene porque ser malo. "Just Like Me", tiene unos arreglos orquestales que le quitan ese toque más clásico del álbum de debut, pero no por ello es peor canción. "Young Girl", "Name Calling", "Tell Me What I Wanna Hear" o "You Can Run On" siguen esa estela de buenas canciones, pero que quizás perdieron ese toque de mayor viveza que tenían los temas de "Roll With You". Eli "Paperboy" Reed y su banda también nos dejan un par de baladas soul muy buenas ("Pick A Number" y "Time Will Tell"). Finalmente, y quizás porque son conscientes de ese pequeño fallo que apreciamos frente a su debut, el álbum se cierra con la excepcional "Explosion", un tema que recuerda mucho a "(Doin' The) Boom Boom", y que, como su propio nombre indica, es una explosión a mitad de camino entre el funk y el soul más acelerado.

Os dejamos "Explosion" en directo, una canción que no te mantendrá impasible ante la pantalla del ordenador.

Discos de cabecera: "John Lennon/Plastic Ono Band" (John Lennon, 1970)

Hoy, 9 de octubre de 2010, John Lennon cumpliría 70 años. Y también tal día como hoy, hace 40 años, se acabó de grabar "John Lennon/Plastic Ono Band". En abril de 1970 The Beatles anunciaban su separación definitiva y, como no podía ser de otro modo, las maquinarias creativas que formaban la banda de Liverpool comenzaron a funcionar por separado. Paul McCartney publicó ese mismo año "McCartney" y Harrison "All Things Must Pass" (de los que es muy posible que hablemos en un futuro en esta sección). Incluso Ringo Starr se atrevió con un álbum, "Beaucoups of Blues". John hizo lo propio y publicó "John Lennon/Plastic Ono Band", producido por Phil Spector (al igual que el álbum de Harrison).

John es un músico de los pies a la cabeza y en este disco lo demuestra. A parte de buen cantante es un buen compositor y en este disco hay tres temas que se aprecian claramente. Por un lado está su lado pacifista y solidario con canciones como "Working Class Hero"; por el otro su amor hacia Yoko Ono ("Hold On"); y por último ese trauma de su adolescencia que fue la muerte de su madre cuando tenía él 17 años y después de haber estado desde los 5 viviendo con su tía ("My Mummy's Dead").

El disco se abre con una interpretación magnífica de "Mother" por parte de Lennon, un canto desgarrado a la memoria de su madre Julia (y alguna referencia a su padre, que lo abandonó cuando tenía 5 años). Es difícil encontrar una grabación de un artista que le ponga tanto sentimiento a un tema.

John explota su vena rockera en "I Found Out", "Well, Well, Well", "Remember" o el bonus track "Power To The People" (donde le acompaña un coro de gospel). "Love", como su propio nombre indica, es un canto al amor y, junto a "Isolation" y "Look At Me", son las baladas que redondean el LP.

Sin duda, un buen día para recordar este gran disco.

Recomendación de Pequeño R'n'R: Broken Bells

Fruto de la colaboración entre James Mercer (The Shins) y Danger Mouse (Gnarls Barkley) se formó Broken Bells, y en marzo de este año salió a la venta su álbum de debut homónimo. Broken Bells es una mezcla entre vanguardia y clasicismo, entre las baterías electrónicas y las guitarras acústicas, los sintetizadores y las harmonías vocales. En algunas canciones te incitan a salir a bailar y en otras prefieres quedarte sentado y dejarte atrapar por las atmósferas creadas.

Los tres singles que han salido hasta el momento son, en mi opinión, los mejores cortes del disco. El que presentó a la banda fue "The High Road", donde dominan los sintetizadores y los ritmos programados, al revés que en "Vaporize", donde es la acústica y el teclado lo que marca el ritmo de la canción. El siguiente single fue la pegadiza "The Ghost Inside", acompañada en la cara B por una canción más electrónica, "Meyrin Fields". En el resto del disco nos encontramos otros momentos brillantes, como son "Sailing To Nowhere", "Trap Doors" o la canción que cierra el disco, "The Mall & Misery".

Sólo me queda decirles que esta tarde lluviosa de otoño es una buena oportunidad para disfrutar de Broken Bells.

Recomendación de Pequeño R'n'R: Broken Social Scene

Aún no ha llegado el frío del todo, pero ya empieza a refrescar, y "Forgiveness Rock Record" (2010) puede ser un álbum para esas tardes de sábado o domingo en que no te apetece salir de casa. Ha sido el último trabajo de(l colectivo) Broken Social Scene, muy recomendable para los que busquen música buena pero poco convencional.

El disco se abre con la genial "World Sick" (primer single del álbum), seguida de cuatro grandes canciones, como son "Chase Scene", "Texico Bitches", "Forced To Love" (segundo single) y "All To All", donde la voz principal corre a cargo de Lisa Lobsinger (esta vez Feist se limita a hacer coros). Posiblemente a partir de este corte baje la intensidad, pero eso no impide que haya un puñado de buenos temas ("Art House Director", la instrumental "Meet Me In The Basement", "Sweetest Kill" o "Romance To The Grave").

Capas y capas de emoción mezcladas con un poco de épica, eso es lo que son Broken Social Scene.

Discos de cabecera: "(What's The Story) Morning Glory" (Oasis, 1995)

Hoy (2 de octubre de 2010) se cumplen 15 años de la publicación del segundo álbum de Oasis, "(What's The Story) Morning Glory", que les terminó de aupar a la cima del rock a mediados de los 90. Los hermanos Gallagher habían debutado un año antes con "Definitely Maybe" y los ingleses se había vuelto a sentir el centro de mundo musical gracias a estos chicos de clase obrera provenientes de Manchester. Y lo cierto es que durante 4 o 5 años fueron el grupo por excelencia, pero luego no supieron mantener el nivel y terminaron ahogados en peleas de hermanos y en su propia leyenda. Herederos de los Beatles de su admirado Lennon, los grupos mods de los 60, The Stone Roses, The Jam y Paul Weller, reunían todas las características del rock y el pop británico de los anteriores 30-35 años, convirtiéndose junto a Blur y Pulp en los estandartes del britpop de los 90.

Precisamente fue con Blur con el grupo con el que mantuvieron la llamada "

Batalla del Britpop". Y fue en el 95 cuando se volvió más 'encarnizada', sobre todo cuando Blur decidió adelantar la publicación de su single, "Country House", para que coincidiera con el de Oasis, "Roll With It". Finalmente, por los motivos que fueran, ganó Blur, pero Oasis se pudieron resarcir cuando "(What's The Story) Morning Glory" vendió más que "The Great Escape".

Puede que la mayoría de la gente se quede con que en "(What's The Story)..." están "Wonderwall" y "Don't Look Back in Anger", pero eso es porque no se ha parado a escuchar el resto del disco. No se han parado a escuchar la más rockanrollera "Some Might Say", la balada acústica "Cast No Shadow" o la genial "Champagne Supernova", con la colaboración a la guitarra de Paul Weller. Tampoco han escuchado la canción que abre el álbum,"Hello", ni la que le da título, "Morning Glory".

En definitva, un disco muy completo y muy recomendable. Fue el punto álgido del britpop y, en mi opinión, de los propios Oasis.

Discos de cabecera: "Mr. Tambourine Man" (The Byrds, 1965)

Hay muy pocos artistas que consigan componer esas melodías que enganchan a la primera. Así a bote pronto podría decir el combo McCartney-Lennon, el combo Morrissey-Marr o Stuart Murdoch, y creo que The Byrds deberían ser incluídos entre ellos. Gene Clark, Davis Crosby y Roger McGuinn formaban el tridente perfecto para atacar tanto temas propios como versiones del mismísimo Bob Dylan.

"Mr. Tambourine Man" fue el álbum de debut de esta banda de Los Angeles. La influencia de The Beatles es muy clara, tanto en las armonías como en el sonido de los instrumentos. The Byrds intentaron llevar el sonido de los de Liverpool a su terreno y mezclarlo con el sonido característico del country americano, aunque este sería mucho más evidente años más tarde, sobre todo con el disco "Sweetheart Of The Rodeo" (donde ya contaban con el genial Gram Parsons).

La canción que abre el álbum, "Mr. Tambourine Man", es una versión de Dylan, que nos muestra varias claves del sonido de The Byrds. La Rickenbacker 360 de 12 cuerdas es lo primero que se escucha al darle al play, ese sonido de guitarra tan característico de la época y en concreto de esta banda. En cuanto entran las voces vemos la segunda característica clave: las perfectas armonías vocales entre McGuinn, Clark y Crosby. "I'll Feel A Whole Lot Better" está compuesta por Clark, y de nuevo nos encontramos con una melodía preciosa, apuntalada con la Rickenbacker y las armonías vocales. Si seguimos profundizando en el álbum nos encontramos con "You Won't Have To Cry", "All I Really Want To Do" (también versión de Dylan) o el tema que acompañó en la cara B al single "Mr. Tambourine Man", "I Knew I'd Want You". En el apartado de versiones se atreven con otras dos más de Dylan, una de De Shannon ("Don't Doubt Yourself, Babe") y una de Seeger ("The Bells Of Rhymney"). Y por último, no nos podemos olvidar de la preciosa "Here Without You", uno de los mejores temas de The Byrds.

Sin duda fue uno de los álbumes que empezó a cambiar el panorama. Convirtió a The Byrds en el primer grupo capaz de hacerle frente a The Beatles y empujó definitivamente a Dylan a electrificar su folk acústico.

Recomendación de Pequeño R'nR: Deerhunter

Permitid mi atrevimiento, pero "Halcyon Digest" (2010) va a estar entre los mejores discos del año. La crítica está emocionada con el nuevo disco de la banda americana, liderada por Bradford Cox, y no es para menos. Tras un anterior álbum muy bueno ["Microcastle" (2008)], el listón estaba muy alto, pero creo que han conseguido, el menos, casi igualarlo.

Lo que más me llama la atención del disco es que la mayoría de las mejores canciones están en la mitad del álbum ("Memory Boy", "Basement Scene" o "Helicopter"). Al abrir no encontramos con la extraña, pero no por ello peor, "Earthquake", a la que siguen "Don’t Cry" y la primera canción que se dio a conocer de este disco, "Revival". También destacaría la penúltima canción, "Coronado", donde se apoyan en un saxo, como solían hacer sus admirados Roxy Music. Por último, añadir el sobresaliente fragmento instrumental aportado por Lockett Pundt en "Desire Lines", que recuerda al de la genial "Nothing Ever Happened" de "Microcastles".

Cuando todos los medios recapitulen a final de año veremos si tengo razón. De momento, a disfrutarlo.

Discos de cabecera: "Nevermind" (Nirvana, 1991)

Para casi toda esa generación que vivió su adolescencia en los 90, este es 'El Disco'. Hay álbumes que marcan un hito en la historia de la música, y este sin duda fue uno. "Nevermind" fue el segundo álbum de Nirvana tras "Bleach", y supuso el ascenso meteórico de Kurt Cobain y compañía a la cima del rock. En plena resaca de los sintetizadores ochenteros, Pixies, The Stone Roses o R.E.M. intentaban poner de nuevo las guitarras en boga, pero fue este álbum el que de verdad lo consiguió. Un auténtico éxito de ventas (que era justo lo que no quería Cobain), llegó a desbancar, en enero del 92, al "Dangerous" de Micheal Jackson del número 1 del Billboard. "Nevermind" fue el álbum que puso en boca de todos el grunge, ese estilo mezcla de tantos que surgió en Seattle a finales de los 80, principios de los 90.

El álbum se abre con ese himno generacional que es "Smells Like Teen Spirit", y que define a la perfección la fórmula básica que utiliza Nirvana, principalmente en este disco, que es la de estrofas más calmadas y explosiones muy punk en los estribillos, con la voz de Kurt Cobain desgarrando por encima de su rugiente guitarra y los continuos golpes de Dave Grohl a los platos de su batería. Se ve en "Smells...", se ve en "Lithium", o se ve en "In Bloom". Pero no faltan las explosiones más 'punk' de "Territorial Pissings" o "Breed", o la balada que cierra el disco, "Something In The Way". Todo esto sumado a "On A Plain", "Drain You" y a una canción como "Come As You Are", con ese riff memorable, hacen de "Nevermind un disco imprescindible para los amantes del guitarreo. Sin duda uno de los álbumes de los 90.

Os dejo "Breed" en su mítico concierto en el festival de Reading de 1992.

Recomendación de Pequeño R'nR: Manic Street Preachers

Manic Street Preachers vuelve a la carga. Tras "Journal For Plague Lovers" (2009), la banda galesa acaba de publicar "Postcards From A Young Man" (2010). Un disco bastante redondo que, es obvio que no llega a la altura de "The Holy Bible" o "Everything Must Go", pero sí que es cierto que se acerca en algunos momentos. El single de adelanto, "(It's Not War) Just The End Of Love" vino acompañado de cinco canciones que no se han incluído finalmente en el álbum, pero que dan título a dos EP's, ambos con el nombre del single principal (EP#1 y EP#2). "(It's Not War)..." es un buen ejemplo del estilo que lleva el disco: pop orquestado, con algunas canciones más guitarreras que otras.

El álbum posee un puñado de buenas canciones, como, la que le da título, "Postcards From A Young Man", "The Descent - (Pages 1 & 2)" o "A Billion Balconies Facing The Sun". En el álbum hay dos colaboraciones especiales. En "Auto-Intoxication" John Cale (The Velvet Underground) se pone a los teclados y "Some Kind Of Nothingness" es un dueto con Ian McCulloch (Echo & The Bunnymen).

Os dejo este vídeo de los Manic tocando el "(It's Not War) Just The End Of Love" en el programa de Jools Holland.

Discos de cabecera: "Exile On Main Street" (The Rolling Stones, 1972)

La mayoría de la gente coincide con que la mejor etapa de The Rolling Stones va de 1968 a 1972. Del "Beggars Banquet" (1968) al "Exile On Main Street" (1972), pasando por el "Let It Bleed" (1969) y el "Sticky Fingers" (1971), fueron los cuatro mejores álbumes de la que, para muchos, es la banda más grande de rock 'n roll. "Exile On Main Street" no hace demasiado que ha sido noticia debido a la reedición que se ha hecho este año y, con ese motivo, se hicieron varios reportajes alabando el disco, y en bastantes casos poniéndolo como el mejor LP firmado por 'sus satánicas majestades'.

"Exile On Main Street" se grabó en una casa que había comprado Keith Richards al sur de Francia después de varios problemas con fisco británico. Jimmy Miller se encargó de la producción, como venía haciendo desde "Beggars Banquet", y el álbum, que se había empezado a gestar en el verano del 71 no se acabó hasta marzo del 72 en Los Ángeles.

Mick Taylor había reemplazado al genial Brian Jones dos años antes, y para muchos el sonido más blues de este álbum es debido a su influencia. Y sí que es cierto que pese a haber temas de su característico rock 'n roll, como "Rocks Off" o el tema interpretado por Richards, "Happy", se apreciaban otros temas que bebían de las raíces del blues ("Shake Your Hips", "Ventilator Blues") o del rock de los años 50 ("Rip This Joint"). Pero en este doble LP había tiempo también para canciones más pausadas, como "Loving Cup" o la genial "Shine A Light" (que dio nombre al documental que dirigió Martin Scorsese en la última gira de los Rolling hasta la fecha). Pero para mi gusto, la mejor canción del disco es "Tumbling Dice".

Así que ya saben: ¡'Ruocanrol' y a disfrutar!

Recomendación de Pequeño R'n'R: M-Clan

M-Clan se han puesto más clásicos que nunca. Siempre tuvieron esa vena rock 'n roll (pese a sonar en Los 40 Principales), pero en los dos últimos discos es cuando más se ha manifestado. Con "Memorias de un espantapajaros" (2008) llego su disco más maduro musicalmente, y creo que con este nuevo, "Para no ver el final" (2010), continúan esa línea. El único cambio significativo ha sido el acercamiento al soul setentero, que se aprecia perfectamente en el single, "Me voy a dejar llevar", y en la canción que da título al álbum, "Para no ver el final". La tralla rockera no falta ("Calle sin luz"), también los medios tiempos, como "Basta de blues", y un par de baladas como "Se hizo de noche cuando te conoci" (que va creciendo en intensidad hasta explotar en el solo de guitarra) y "Hasta que se acostumbre a la oscuridad".

Un disco para los amantes de los sonidos clásicos.

Discos de cabecera: "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" (The Beatles, 1967)

Para muchos es el mejor disco de la historia de la música. Yo, pese a que The Beatles son mi grupo favorito, voy a ser algo más reservado y no me voy a atrever a tanto. Lo que sí es cierto es que supuso un antes y un después en la carrera de los de Liverpool y un antes y un después en la historia de la música. La forma de entender el rock y el pop cambió a partir del "Sgt. Pepper's...".

En 1966 The Beatles daban su último concierto en San Francisco, y decidían que no iban a dar más conciertos. Estaban hartos de las agotadoras giras y de las condiciones en las que tenían que cantar (en muchos casos no escuchaban lo que tocaban, sólo los gritos de las fans). Los dos últimos álbumes que habían grabado, "Rubber Soul" y "Revolver", habían supuesto la maduración total de The Beatles, pero cuando se completó del todo fue cuando en 1967 publicaron "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band". La idea del disco fue de McCartney, que propuso a sus compañeros inventarse una banda para poder experimentar todo lo que quisieran. Así, gracias a un sistema muy avanzado de grabación (similar al actual multi-pista) y a las nuevas formas de composición que probaron, dieron lugar a canciones muy diferentes a lo que se había escuchado hasta ese momento. Así surgió la psicodélica "Lucy In The Sky With Diamonds" o "A Day In The Life". Esta última está estructurada en 3 partes, la primera y la última son obra de Lennon y en el medio, con un ritmo y una instrumentación diferentes, la de McCartney. Para separarlas utilizaron unos compases en los que una orquesta entera hacía una escala ascendente nota por nota. Según muchos expertos, fue la última colaboración entre ambos.

El disco se abre con la presentación de la nueva banda, "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band", que está unida a la siguiente canción, "With A Little Help From My Friends", donde canta Ringo Starr. George Harrison seguía muy unido a la cultura hindú como se puede ver en la canción "Within You Without You", donde el instrumento dominante es el sitar. Encontramos canciones raras, como "Being For The Benefit Of Mr. Kite", canciones que hablan sobre drogas ("Fixing a Hole"), canciones de abandono, como la preciosa "She's Leaving", o canciones irónicas ("Lovely Rita").

Quizás te puedan gustar más "Revolver" o "Abbey Road", pero a nivel de innovación pocos discos superan a este.

The Beatles a partir de 1966 sólo hicieron un concierto en directo, el de la azotea del edificio de Apple, y sólo tocaron canciones nuevas. Así que os dejo una versión en directo de "A Day In The Life" cantada por Paul McCartney (NOTA: al final la une con "Give Peace A Chance", de Lennon).

Recomendación de Pequeño R'n'R: The Young Veins

En julio de 2009 Ryan Ross y Jon Walker anunciaban el abandono de la que hasta ese momento había sido su banda, Panic At The Disco, por diferencias creativas y musicales. Así es como surgió The Young Veins, y desde los primeros acordes del disco podemos apreciar las grandes diferencias que debía haber en el seno de Panic At The Disco, puesto que el sonido de la nueva banda no se parece en casi nada a la anterior. "Take A Vacation!" (2010) ha sido el álbum de debut de este nuevo grupo, más cercano a pop británico de los 60, tipo The Beatles, The Byrds o The Kinks. "Change" fue su carta de presentación, y posiblemente sea la mejor canción del álbum. Si te gusta el pop sesentero no puedes dejar de escuchar "Take A Vacation!", "Young Veins (Die Tonight) " o "Maybe I Will, Maybe I Won't". No será el disco del año, pero lo que sí es verdad es que entra muy bien.

Discos de cabecera: "OK Computer" (Radiohead, 1997)

¿Qué queda por decir de Radiohead? Poco, la verdad. En los últimos veinte años ha sido de los pocos grupos que ha marcado un antes y un después en la música y ha conseguido inspirar a cientos de bandas posteriores, como Muse, Coldplay o los nacionales Vetusta Morla.

El gran boom de Radiohead llegó en 1997, año de publicación de "OK Computer", cuando la prensa musical británica se volvió loca con estos cinco chicos de Oxford. Este fue el primero de los ábumes que Nigel Godrich produjo a Thom Yorke y compañía, una unión fructífera, aunque truncada en el último trabajo hasta la fecha, "In Rainbows".

El primer single de este álbum fue la genial "Paranoid Android", un tema de 6 minutos estructurada en 4 partes diferenciadas (pero unidas). Esta canción se alejaba del pop (estilo británico) que había dominado el álbum anterior, "The Bends", y dejaba ver el experimentalismo que se haría mucho más evidente en el siguiente disco, "Kid A". A pesar de que este fue el primer single, ya se conocía una canción, "Lucky", incluida en un disco benéfico llamado "The Help Album". "Let Down" iba a ser el siguiente single, pero en el último momento se decidió cambiarla por "Karma Police". "No Surprises" fue el último single editado, y esta canción, junto con "Lucky" y "The Tourist", forman un combo genial para rematar el álbum. Pero no nos podemos olvidar de la canción que abre el disco, "Airbag", ni de otros temas, como "Exit Music (For A Film)" o "Climbing Up The Walls".

En general las letras de "Ok Computer" hablan sobre temas como el consumismo, la desconexión social, el estancamiento político y el malestar moderno. Era un crítica feroz a la sociedad de final de siglo y, aunque casi todas las canciones hablen de eso, Radiohead se niega en rotundo a considerar "OK Computer" un álbum conceptual.

En definitiva, uno de los 4 o 5 mejores discos que se han hecho en los 90. Una obra maestra, posiblemente, el último gran disco de rock.

Hay un documental muy interesante sobre "OK Computer" que podéis encontrar en youtube subtitulado. Aquí os dejo la introducción.

Recomendación de Pequeño R'n'R: Band of Horses

Band of Horses llevan juntos 6 años. Hace 4 publicaron su primer LP y un año después el segundo, pero no consiguieron destacar. Con "Infinite Arms" (2010) lo han logrado. No hacen nada que no se haya hecho antes, pero, de todos modos, hay que reconocer que son buenos, y este álbum lo demuestra. "Factory", la canción que abre el disco, no nos puede dejar engañar, puesto que su orquestación no deja ver el pop guitarrero de otros cortes del disco como, por ejemplo, la pegadiza "Compliments", "Laredo" o "NW Apt.". Pero en general, en "Infinite Arms" mandan los medios tiempos y las baladas, como "Blue Beard" o la canción que da título al álbum, "Infinite Arms".

Discos de cabecera: "Doolittle" (Pixies, 1989)

Los 80 fue la década que dominaron los sintetizadores. Los hubo antes y los ha habido después, pero sin duda nunca tuvieron un momento de más apogeo que esos diez años. De todos modos aún existían algunos grupos que se resistían a hacer synth-pop, y esto se acentuó sobre todo al final de la década, cuando surge el indie-rock. En el 89 los Pixies publicaban su segundo LP, "Doolittle" con la etiqueta 4AD, al mismo tiempo que The Stone Roses pegaban un petardazo en el Reino Unido con su disco homónimo, bajo el sello Silvertone. Estos sólo son dos de los ejemplos de lo que luego llegaría en los 90, con la explosión de bandas de rock de discográficas independientes.

"Doolittle" fue la continuación al EP "Come On Pilgrim" y al LP "Surfer Rosa", y supuso un cambio en el sonido de la banda, debido, posiblemente, al mayor gasto dedicado a la grabación. De todos modos, los Pixies no habían perdido ese toque característico suyo de rock inmediato, como es el caso de "Crackity Jones" o "Tame". Uno de los mejores temas de la discografía de los Pixies es la canción que abre "Doolittle", "Debaser", que, junto con "Monkey Gone To Heaven", "Wave Of Mutilation", "Here Comes Your Man" y "Gouge Away", forman la espina dorsal de álbum, alrededor de la cual pivotan el resto de canciones, no por ello más prescindibles.

La importancia de los Pixies a partir de "Surfer Rosa" y "Doolittle" ha sido mucha, llegando a influír en numerosos grupos, entre los que, según afirmó el propio Kurt Cobain, se encontraba Nirvana.

Recomendación de Pequeño R'n'R: Grinderman

El proyecto paralelo de Nick Cave y algunos miembros de los Bad Seeds vuelve a la carga. Después de un buen debut ("Grinderman", 2007), donde volvían al rock más visceral de los primeros discos de Nick Cave & The Bad Seeds, se acaba de publicar la segunda parte "Grinderman 2" (2010), donde se sigue con esa idea. Si te gustan las guitarras y bajos potentes, al estilo Queens Of The Stone Age o Dead Weather, y, sobre todo, si te gusta la banda matriz de Grinderman, Nick Cave & The Bad Seeds, te gustará este disco.

La canción que abre el disco, "Mickey Mouse And The Goodbye Man", es una descarga de rock que da paso a las menos experimentales, pero más inmediatas, "Worm Tamer" y "Heathen Child". A estas tres les sigue "When My Baby Comes", más lenta, pero no por ello peor canción. En la segunda parte del disco decae un poco la intensidad aunque no por ello debemos pasar por alto "Evil" o la que cierra el disco, "Bellringer Blues"

No me deja insertar el videoclip de "Heathen Child", pero os dejo el enlace aquí. A cambio esta versión del tema con Robert Fripp (King Crimson y participaciones en discos de Bowie o los Talking Heads) a la guitarra.

Discos de cabecera: "The Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars" (David Bowie, 1972)

"The Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars" (1972) fue el cuarto álbum de estudio de David Bowie. Precedido por el magnífico "Hunky Dory", Bowie ya estaba en la cima de lo que se daba en llamar el glam-rock. Con una fuerte personalidad y una imagen que cambiaba a cada poco (en algunos casos, como es el de la portada de "Hunky Dory", con rasgos bastante andróginos), ya se le reconocía como una de las estrellas del rock, llegando a ser productor del disco de Lou Reed "Transformers" ese mismo año (1972).

La presión que podía tener encima Bowie se vio fácilmente superada con "The Rise And Fall...", el que para muchos es el mejor LP de este artista. Para ello creó un alter ego, Ziggy Stardust, personaje principal de todas las canciones del disco. En definitiva podríamos considerarlo un álbum conceptual.

Desde "Five Years", canción que abre el disco, hasta "Rock 'N' Roll Suicide", canción que lo cierra, nos encontramos numerosas canciones que se han convertido en auténticos hits de este artista, como "Moonage Daydream", "Starman", "Suffragette City" o las dos anteriormente citadas. Pero sin duda, mi canción favorita de "The Rise And Fall..." es "Ziggy Stardust".

Os dejo su actuación en el "Top of the Pops" ese mismo año, no por la calidad (es en playback), sino porque causó controversia la forma en que Bowie miraba y abrazaba a su guitarrista Mick Ronson ( y que hoy en día nos parecería totalmente normal).

¡A disfrutar de este genio!

Recomendación de Pequeño R'n'R: Maika Makovski

Maika Makovski es una chica española, con ascendencia macedonia, y que vive a caballo entre NY y Barcelona. En abril de este año publico su tercer álbum, de título homónimo. Para muchos Maika Makovski es la PJ Harvey española, y es que no sólo tiene una voz muy parecida, sino que el productor de "Maika Makovski" (el LP) es el gran John Parish, conocido, principalmente, por trabajar con la rockera británica.

Si hubiese que destacar dos canciones de este álbum, sin dudarlo, me quedaría con "Lava Love" y "Ruled By Mars", aunque no podemos pasar de largo títulos como "Game Od Doses", "Friends" o "No Blood".

El martes pasado estuvo en las "Entrevistas acústicas de 'Hoy Empieza Todo'". Os dejo el audio de dicha entrevista aquí.

También comparto con vosotros esta interpretación de "Ruled by mars" en acústico. Brutal.

Recomendación de Pequeño R'n'R: Mavis Staples

Hablar de Mavis Staples es hablar de una cantante con trayectoria. Entre 1951 y 1969 formó parte de The Staples Singers, pero luego decidió seguir en solitario. Hace una semana se publicaba "You Are Not Alone" (2010), disco producido por el mismísimo Jeff Tweedy, y en el que también ha participado aportando dos canciones suyas, la brillante "You Are Not Alone" y "Only The Lord Knows". Pero ahí no se queda la cosa, porque Mavis se ha atrevido con versiones de Pops Staples ("Don't Knock"), Randy Newman ("Losing You") o el gran John Fogerty ("Wrote A Song For Everyone"). Ahí están las canciones para que su voz haga el resto.

Os dejo que disfrutéis el disco y de esta versión del "You Are Not Alone", en acústico, con Jeff Tweedy a la guitarra.

Discos de cabecera: "Axis: Bold As Love" (The Jimi Hendrix Experience, 1967)

Ayer se cumplían cuarenta años de la muerte de una de las figuras más importantes de la historia del rock, Jimi Hendrix. Publicó tres discos bajo el nombre de The Jimi Hendrix Experience, grupo en que le acompañaban dos de los músicos más dotados de la época, Noel Reading al bajo y Mitch Mitchell a la batería. Para muchos este trío sólo tenía un rival en aquella época, y eran los mismísimos Cream.

"Axis: Bold As Love" fue el segundo de los 3 álbumes publicados, y venía precedido por un LP que deslumbró a la crítica. Se pensó que sería difícil llegar al nivel del "Are You Experienced", pero la verdad es que Jimi Hendrix facturó un disco increíble. En él podemos encontrar la que en mi opinión es la canción más redonda de este genio de la guitarra, "Little Wing", que se ha versionado en varias ocasiones por artistas tan importantes como Eric Clapton, Sting o Stevie Ray Vaughan. También habría que destacar algunas otras, como la genial "You Got Me Floatin'", la más pausada "Castles Made Of Sand", "Wait Until Tomorrow" o "Spanish Castle Magic". Y todo esto sin olvidarnos de la canción en la que la voz principal corre a cargo de Noel Reading, "She's So Fine".

En definitiva, es un disco de cabecera que hay que escuchar y, sobre todo, disfrutar.

Recomendación de Pequeño R'n'R: Philip Selway

Mientras esperamos noticias de Radiohead, otro componente más que se lanza en solitario. En este caso es Philip Selway, el batería, que firma un sorprendente disco lleno de guitarras acústicas y bonitas melodías. No esperes nada parecido a Radiohead ni a los proyectos de Thom Yorke o Jonny Greenwood, porque "Familial" (2010) es un disco más cercano al folk íntimo que, por ejemplo, a las bases electrónicas del "The Eraser" (2006) de Yorke. De "Familial" te recomiendo que escuches "The Ties That Bind Us", "Broken Promises" y "By Some Miracle" (de la que también recomiendo ver su videoclip que dejo a continuación).

'Radioactive', el nuevo single de KoL

¿Has escuchado ya 'Radioactive', el nuevo single de Kings of Leon? ¡Aquí puedes hacerlo! A la izquierda encontrarás (hasta el 30 de septiembre) una encuesta en la que intentamos ver que opina la gente. ¡Mójate y vota!

Nota: El disco sale a mediados de octubre.

Recomendación de Pequeño R'n'R: Stay

Stay es un grupo catalán de, según ponen ellos mismos en su myspace, indie pop psicodélico. El martes que viene sale a la venta su nuevo álbum (sello Subterfuge), pero ya se puede escuchar el single de adelanto, The world is in our hands (del que dejo el videoclip a continuación). Para los que aún no conocíais a este grupo os recomiendo que escuchéis también So Slow o, si queréis algo más cercano a la psicodelia, I Feel You Around.

Recomendación de Pequeño R'n'R: JC Brooks & The Uptown Sound

Que la mayoría de la música que escuche esté más cercana al pop o al rock no significa que no escuché otros estilos. JC Brooks & The Uptown Sound tiene esas raíces negras cercanas al soul y al funk. "Beat Of Our Own Drum" (2009) es su último disco hasta la fecha, donde se incluyen temas como "Baltimore Is The New Brooklyn" o "Love One Another".

Muy buena esta versión de la canción de Wilco "I am trying to break your heart".

Este sábado actúan en la Sala Nasa de Santiago dentro de su gira por España.

Recomendadas las playlist de HET

(Para ir arrancando esto, vamos a hacer varias entradas hoy, pero normalmente será una por día cuando pueda.)

Ángel Carmona, presentador y director de 'Hoy empieza todo' (de lunes a viernes de 7:00 a 11:00 en Radio 3) está haciendo unas listas de spotify con lo que pone cada mañana (y que está disponible en spotify, claro). Os dejo las tres primeras, que son la del lunes, el martes y el miércoles.

HET 13 septiembre 2010

HET 14 septiembre 2010

HET 15 septiembre 2010

Si queréis ir consiguiendo todas (porque parece que lo van a hacer todos los días), sólo os tenéis que hacer fans de su página del facebook y ahí las irán colgando. Os dejo el enlace a continuación. http://www.facebook.com/hoyempiezatodo

Recomendación de Pequeño R'n'R: Eels

Para los que no lo conocéis, Mark Oliver Everett (Mr. E). En un año ha publicado 3 discos, el último, "Tomorrow morning".

Canciones recomendadas: "Baby loves me", "Spectacular girl" o "Looking up"